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手艺活里的历史——日本传统工艺

日本的职人文化在长达数百年甚至千年的传承过程中,赋予了手中古老传统工艺新的生命力,对于艺术审美的追求是这些百年传统历经岁月磨砺依旧美丽夺目的源头,而职人们在传承过程中表现出更多的是对传统和生命力的敬意。

BY 王蕾

莳绘漆物

“匠人精神”是我们提到日本很多百年老铺和手艺人时常会提起的词,优秀的手艺人们用十年如一日的耐心,打造着每一件作品,把传统寄托在手中的物件上,我们也因此看到大量传自中国唐宋时期的技艺在一衣带水的邻国得以延续。

日本的职人文化在长达数百年甚至千年的传承过程中,赋予了手中古老传统工艺新的生命力,对于艺术审美的追求是这些百年传统历经岁月磨砺依旧美丽夺目的源头,而职人们在传承过程中表现出更多的是对传统和生命力的敬意。

莳绘漆物

漆器作为日本传统工艺品中非常具有代表性的一种,工艺繁复,质地细腻,对湿度、温度、工匠手艺都有极高的要求,就从Japan一词在英文中被视为漆艺的代名词来看,漆艺对于日本而言的意义可见一斑。在漆器艺术璀璨的长河中,留下非常亮眼“和风”一笔的不得不说——必然是被奉为日本“国术”的莳绘漆物。

莳绘(Maki-e)是日本最具有代表性的漆艺工艺手法之一,在日本漆物发展史上表现出了不同时代的审美情趣、文化内涵,以及工匠技巧,有着不可替代的艺术价值和传承意义。日本的漆艺自奈良时代起传于中国,以金粉、银粉洒落在涂抹了漆液的漆器纹样上,干燥后推光,形成优雅华贵的装饰花纹。在经历了平安前期的“唐风”影响后,日本漆艺发展出独创的髹饰技法和平莳绘手法,在技巧上更向前推进了一步,艺术形式上突出了日本和风特色,并在后期研发出了更为精美具有立体感的高莳绘技巧,并在江户时期达到了莳绘漆物的艺术顶峰,一时间大师匠人频出,传到今天的作品也大多出于这个时期。看似华美的莳绘花纹其实多以自然景物和花鸟植物为主题,在传统造型下不拘泥具象,山川鸟兽,藤蔓樱叶无一不是日本美的缩写,莳绘漆物也以这种方式传承百年,成为日式审美中的一个代表。

体验工坊:莳绘Studio祥干

官网:http://www.makieshi.com/category/makie_school/

体验耗时:大约2小时

七宝烧

七宝烧

所谓七宝烧是以750度至950度的高温烧制而成的珐琅工艺品,从技法上来说与我国的景泰蓝有着一脉相承之源,因此也有着“日本景泰蓝”的美称。“七宝”的说法来源于佛教经典中的七件宝物,最早出现在我国东晋时期的《西京杂记》中,而七宝烧则是因其美貌程度以及稀有价值堪比七宝,故而得名。

说起七宝烧的起源,大约要回溯到16世纪末期,日本的工匠们为中国景泰蓝的精美所折服,在自发模仿研究中无意间烧制成了形似景泰蓝却又不完全相同的新工艺品,这就是七宝烧惊喜诞生的雏形。这份意外的喜悦虽然缺乏稳定的科学配方,却促使日本工匠们不断的尝试,在一次次试错材料、调试温度湿度的过程中,发现了比景泰蓝更有光泽感,成色更华丽的新配方,于是这种以金属制器为胚胎,表面光滑,色泽艳丽的“仿制品”被命名为七宝烧,在小范围的少数家族内部得以传承。在明朝时期还曾作为皇室赠品传回过我国,这种不同于景泰蓝素雅的艳丽工艺品很快收到中国人的喜爱和追捧,但同样也因制法上带来的独一无二性奇贵无比。

目前已濒临失传的七宝烧技艺从历史发展脉络上来说,可以分成古代和近代两部分。其中从遣唐使把西域传入的珐琅制作技术带回日本开始延续千余年的部分被成为古代七宝,古代七宝因技法上的不稳定性,以及传承范围的狭隘性,在19世纪初期几近消亡,幸得江户末期尾张出生的梶常吉解决了七宝内部构造的问题,成功制成了掐丝珐琅,近代七宝才有此得以延续,这种技法目前在爱知县的七宝町内仍有传承。

所谓掐丝珐琅是在铜或银的金属胚胎上先用墨绘制图样,后沿着图案轮廓埋线,再经过填釉、烧制、打磨等工序最终成品。如此制成的工艺品器型规整,胎部轻薄,釉质细腻,色彩明艳,对细节描述更加精致,但又因素净的整体胎面而毫不显得浮夸,是日式审美的集大成之作。

体验工坊:坂森七宝工艺店

官网:https://www.sakamori-shippo.com/school.html#a03

体验耗时:约4小时

墨职人

书道 墨

文房四宝中的“墨”,从中国传入日本,距今已有1400余年的历史。在书法已然站在艺术高峰的今日,“墨”似乎并没有得到同等地位的尊重,同样的还有常年手脚漆黑的“墨职人”。

日本本土最早开始有制墨记载的地区是位于奈良县中部的明日香村。自室町时代初期起,当时的职人们就在奈良兴福寺二缔坊周围收集起照明用的煤灰,混合胶水制成油烟墨,这也就是现在被日本指定为国家传统工艺品的“奈良墨”的原型。

追溯奈良墨的发展过程,就不得不提到松烟墨。奈良时代后期,平成京图书寮的工坊里首次出产了粗制松烟墨。以松木为燃料,经过长时间焚烧提炼,加入鱼胶等凝固剂和职人原创的混合香料,塑形后放入特制的模具框中干燥,这样制成的“松烟墨”出世后就成为了抄经的专用墨,在贵族皇室间广为流传,也被认为是日本最早的松烟墨。到了平安时期,松烟墨的供给局限在丹波地区,产量完全不足以应对市场需求,于是就有了民间用传统古法灯油制作的油烟墨。和自带油面光泽感的油烟墨相比,松烟墨乌黑但无光泽,隐隐透出微蓝色,磨墨时会散发出清新的属于“墨”的香味,书写绘图时更显苍茫古朴质感,因此以独特的色调和手法自古受到很多书法家和画家的喜爱,就连日本闻名的《源氏物语》一书也是用松烟墨写就的。

对于墨职人来说,制墨其实是与自然较劲的过程,每年10月到次年4月5月间的严寒期是最适合的制作时间,霉菌不活跃且鱼胶不易腐烂,气温越低制成的墨质量也越好,但这就非常考验需要徒手提炼塑形的匠人们,顶着严寒在毫无暖气的工坊内起草贪黑地作业。奈良墨发展到今天早已成为日本国内固体墨的主流,市场占有率超过九成比例,在奈良本地也有多家百年老店还传承着古老的制墨方法,在现今的街道里顽强地继续飘散墨香。

体验工坊:锦光园

官网:https://kinkoen.jp/experience/

体验耗时:30-40分钟

甲州印传

甲州印传

“印传”的得名来源于17世纪流入江户幕府的一种印度产皮革“印帝亚革”(India),色彩华丽,皮质柔软,深的当时武士大名们的喜爱,因此“印传”也可以简单粗暴的理解成“自印度传入的”。最初传入日本的皮革大多为羊皮及鹿皮鞣过的加工成品,到了今天的“印传”则更为广泛的指代皮革印花工艺。

据《日本书纪》记载,鹿皮的加工技术自公元400年时从高丽传入日本,初时用紫草根或茜根提取燃料绘制在鹿皮上,公元900年时,武士们看中了鹿皮的轻便结实,开始使用鹿皮制作盔甲,皮革印花工艺也在此时重现重要性,绘制了樱花、菖蒲或菱形纹样的皮甲大约算是日本印传的雏形了。真正对印传起到突破性推动作用的还要数山梨县甲府市出生的战国名将武田信玄。喜爱鹿皮制品的他不仅制作了自己的甲胄,还把皮革制品推广到了收纳和包裹上,独家冠名的“信玄袋”油然而生,成为了后来甲州印传的奠基石。

印传的革染技法主要是漆画技术,分成最广为流传的施漆、类似印度细致繁复花纹的更纱,和日本的独门绝技“烟熏”。江户时代的职人上原勇七研发出了烟熏印染皮革的技法,将皮革撑在原型木桶上,糊上设计好的纹样,在圆桶下方放置燃烧干燥后的麦秸,然后旋转圆桶数次以充分火燎烟熏,凸显纹样色泽,最后才燃烧松脂完成熏染过程,如此耗时4至5小时的烟熏印传即便是沾水也不易硬化,也因此收到当时贵族武士阶级的追捧。上原勇七名下的“印传屋”也为甲州印传的传承拉开了历史大幕,采用口传长子的传统家族内延续模式,自1582年挂起店招暖帘开始距今已十三代,曾风靡一时的印传行业在时代变迁的风雨中漂泊数百年,在设计和花纹表现上也更迭出新。原本十二种主花色的传统纹样发展至今早已突破原有的条条框框,和各种国际品牌的合作款也层出不穷,传统技艺在时代巨轮的推动下迸发了新生活力。

参观工坊:印传博物馆

官网:https://www.inden-museum.jp

地址:山梨县甲府市中央3-11-15

南部铁器

南部铁器

南部铁器其实和南北方向并没有什么关系,只因在江户时代由南部藩制作,故而得名。南部藩位于现在的岩手县,以盛冈为中心,自古铁矿资源丰富,适合铸件,因而也诞生了很多铸件师。自17世纪中叶起,南部藩顺应着茶道的兴起开始生产茶锅,1659年随着京都釜师小泉仁左卫门的入驻,南部藩的铁器铸品进阶到了汤釜,还成了皇室的贡品。茶道的推行带动了铁器文化的发展,经过数代南部藩藩主的大力扶持,等到第三代仁左卫门的时候,汤釜从形体上缩小,成了煮水专用的茶壶,于是也就有了我们现在最常见的“南部铁瓶”,落户到广大百姓家中。

要说南部藩出产的铁器为何久负盛名,甚至延续到今日仍是很多日本人乃至日本皇室会选择的送礼佳品?它的魅力点当然不仅仅只是造型优雅,而在于原料本身。以生铁为主要原料的南部铁器不易生锈,持久耐用,保温性好,再加上铸铁带来的重量感,原始粗糙的手感搭配上表面特有的霰纹装饰,透露着质朴安定的美感艺术。这种对于铁的利用和设计,让南部铁器在经年岁月中生出了属于东北地区的淳朴味道,在匠人们的手中平添几分深沉与温润。 现今的南部铁器不仅仅只有代表性的铁壶,还衍生出了风铃等装饰品,并被认定为国家指定传统工艺品。

体验工坊:南部铁器工房 村咲 (完全预约制)

官网:http://iwate-kennan-kogei.com/openfactory/工房-村咲/

体验耗时:3-4小时

江户切子

江户切子

名谓江户切子,是从江户末期开始在东京的前身——江户地区盛产的玻璃工艺品,距今已有两百多年的历史。在光滑的玻璃表面先标识出需要切割的大致位置,然后通过砂盘或磨石切割打磨完成基础部分,再精雕细琢完成细节部分,而后将切割完成后的制品表面打磨光滑,完成最终的成品造型。江户切子工艺中虽然有最开始的设计草图环节,但匠人们并非是像绘图那样在玻璃表面画上底稿,而近乎是一个一“刀”呵成的过程,这样的创作对于匠人们而言不仅是经验,还有技术的精确度和设计的整体感,江户切子的魅力也正在于此——在雕刻工艺的辅助下,精细的切割和匠心的设计让玻璃因光的折射流露出璀璨夺目的光辉,十几种基础图样通过不同的排列组合,最后凝聚到一只平凡的玻璃杯上,化普通为神奇,熠熠生辉。

追溯江户切子的最初起源,大概可以回到18世纪初叶,原本只是舶来品的玻璃制品在日常生活中逐渐占据重要地位,原本以“琉璃”之名山高水远地飘在贵族阶级中的玻璃得以在百姓阶层中普及,从餐具、日用品到簪子、风铃等装饰摆件,切子工艺也就是从这个时候开始进入全盛期。玻璃的颜色从透明转到彩色,切割的纹样演变出越来越的花色,切割工艺的位置从玻璃杯侧面蔓延到底部,再爬上花瓶、灯罩,甚至更多形态的玻璃制品上,江户切子也在这个过程中丰富了质感和艺术性。

随着时代的发展,很多工艺都逐渐可以用机械替代的今天,江户切子却因为它在创作中的特殊性依旧维持着匠人手工制作的古老传统,没有底稿,全凭匠人手上的一把刀,雕刻和勾画全在一刀一气之间,匠人既要能对手中的艺术品有整体设计的全局观,又需要考虑雕工和美观之间的平衡性,技巧难度可见一斑,江户切子的艺术价值和传承意义也正在于此。

体验工坊:墨田江户切子馆

官网:https://edokiriko.squarespace.com/taiken

体验耗时:90分钟

王蕾
中国 2013年起

王蕾,上海⼟著,现居东京。
自由媒体人,平面设计师,自由撰稿人。
曾任职于⽇本三⼤制作公司之一长达7年,担任创意制⽚执行及设计师。
揣着三国语言行走大千世界,对旅行和设计有着自己的独到的见解,擅于探讨城市背后的文化意象,用自己的眼睛去发现文化沉淀带来的美。

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